In un’era di tendenze fugaci e playlist algoritmiche, Dave Lebental sta costruendo qualcosa destinato a durare. Con il suo nuovo album, Stylus, il cantautore di Los Angeles offre una masterclass di rock pianistico senza tempo, fondendo la sofisticatezza melodica dei suoi eroi — The Beatles, Elton John, Supertramp — con una voce autoriale che è interamente sua e sorprendentemente attuale.
Stylus arriva sulle orme di The Long Player del 2024, un album che ha silenziosamente accumulato oltre un milione di streaming e ha consolidato lo status di Lebental come forza vitale nel panorama rock indipendente americano. Ma laddove il suo predecessore puntava sul classic rock, Stylus segna un’evoluzione coraggiosa, virando verso quel ricco e emotivamente risonante cuore pianistico che è sempre stato il primo amore di Lebental. È un album che sembra allo stesso tempo vintage e contemporaneo, pensato per ascoltatori cresciuti con i vinili e l’album-oriented rock, e che ancora bramano quello stesso senso di scoperta.
Il titolo stesso racchiude un doppio significato. “Uno stylus è la puntina di un giradischi,” spiega Lebental, “ma si può anche tradurre come stilografica, come strumento di scrittura, penna. L’album vive a questa intersezione: canzoni scritte a mano, e poi portate in vita su disco.”
Questo viaggio dalla pagina al palco è alimentato dalla sua affiatata band dal vivo, i Karma Train, un gruppo di musicisti esperti con profonde radici nel rock, soul e blues. Insieme, sono una presenza fissa nei circuiti dei club della West Coast e, cosa interessante, nel regno digitale, dove i loro streaming mensili di concerti dal vivo da uno studio sotterraneo, hanno coltivato un devoto seguito globale.
La storia di Lebental è una storia di integrità artistica e silenziosa resilienza. Emerso per la prima volta negli anni ’90 con le band chitarristiche Sunflower e Placebo Royale — il cui album Crème de Mentia entrò nelle classifiche CMJ — ha condiviso il palco con leggende come Mick Taylor, Jane’s Addiction e Leon Russell. Oggi, con un tour per il 2026 all’orizzonte e un catalogo che parla direttamente a un pubblico disincantato dal panorama musicale attuale, Lebental dimostra che la grande scrittura non è un prodotto del suo tempo, ma un dono che lo trascende. Ci siamo seduti con Dave Lebental per parlare di Stylus, della bellezza del “gioco a lungo termine” e del potere di rimanere fedeli al proprio suono.
Benvenuto su BrioMediaGroup Dave. Il tuo nuovo album si intitola Stylus. Hai spiegato magnificamente il suo doppio significato: sia puntina del giradischi che strumento di scrittura (penna stilo). In che momento è scattata questa connessione per te, e in che modo ha plasmato la tua visione per il disco?
Il titolo è stato un felice incidente. Avevo completato i 10 brani e cercavo un titolo che dicesse qualcosa in relazione al mio amore per gli album in vinile. Stavo fissando il mio giradischi e mi sono ricordato che la puntina è contenuta nello “stylus”. Ho riflettuto su come si relazionasse ai 10 brani e anche al titolo del mio primo album, e ne sono stato conquistato.
Stylus segna uno spostamento verso il rock pianistico dei tuoi influenzatori, come Elton John e The Beatles, dopo The Long Player più orientato all’Americana. Cosa ha ispirato questa svolta creativa, e l’hai sentita in qualche modo come un ritorno a casa?
Non sono un artista stilisticamente monogamo. “Tradisco” con diversi stili musicali. Quando ho iniziato a scrivere il mio secondo album, per qualche ragione inconscia, sono stato attratto dal mio pianoforte e dal mio amore per il piano rock. È semplicemente successo. Non volevo combattere la mia stessa ispirazione. Se fossi stato con un’etichetta, probabilmente avrebbero preteso che facessi un seguito nel genere Americana.
Hai una ricca storia nella scena rock californiana, dalle tue band degli anni ’90 Sunflower e Placebo Royale alla condivisione del palco con icone come Leon Russell e Mick Taylor. In che modo quelle prime esperienze riecheggiano nella musica che stai facendo oggi su Stylus?
Il mio sound negli anni ’90 era un rock indipendente tagliente e chitarristico con un tocco di stile tardo anni ’60. Quindi non suonava affatto come “Stylus” o “The Long Player”. L’unica cosa in comune è che il materiale è sempre stato in formato canzone piuttosto che in formato jam band o strumentale esteso.
Guidi una band dal vivo, i Karma Train, composta da musicisti esperti. In che modo l’energia di un’esibizione dal vivo — che sia in un club della West Coast o nel vostro studio sotterraneo — alimenta il modo in cui scrivi e registri un album come Stylus?
Tutte le canzoni di Stylus sono state scritte e registrate principalmente per essere ascoltate come album. Ma i Karma Train suonano le canzoni incredibilmente bene dal vivo. I brani rock più tirati entusiasmano il pubblico dei club. Ma mi piace mescolare brani lenti e mid-tempo nella nostra setlist dal vivo perché agiscono come un “purificatore del palato” per l’ascoltatore. Secondo me, quando una band suona 4-5 brani veloci di fila, il loro materiale tende a iniziare a suonare tutto uguale.
Sei stato molto sincero nel dire di comporre per un pubblico che si sente “disimpegnato dal suono attuale del rock”. Chi è l’ascoltatore che immagini quando scrivi una canzone, e cosa speri che provi quando ascolta Stylus?
Spero che gli ascoltatori trovino i temi delle canzoni e i testi interessanti, le canzoni orecchiabili ma non scontate, e il sound classic rock abbastanza diverso in modo da essere un artista unico ai loro occhi. Chiedo troppo? (LMAO)
Quando scrivo canzoni, mi propongo di accontentare prima di tutto me stesso. Se una canzone risuona in me dopo ascolti ripetuti, allora credo nella sua qualità. Ma ho realizzato che i miei gusti non sono mainstream. Sono sempre sorpreso da ciò che piace e non piace alla gente.
Nell’era dei momenti virali, hai costruito un seguito alla vecchia maniera: attraverso il passaparola, i tour e una comunità globale tramite i tuoi concerti in live streaming. Cosa ti ha insegnato questo processo sulla relazione tra un artista e il suo pubblico?
Penso che il fenomeno virale funzioni per pochi eletti, non per tutti. Non posso parlare della connessione che gli artisti virali hanno con il loro pubblico perché non lo sono mai stato né conosco alcun artista che lo sia! Quello che posso dire è che i social media sono come bere da una manichetta antincendio. Il volume puro di post, canzoni, video, annunci e simili fa sì che le persone abbiano una capacità di attenzione microscopica per ciò che una band sta facendo. La frase di Warhol sui “15 minuti di fama” è stata ridotta a 15 secondi! Quindi vedo l’esposizione dal vivo come il modo migliore per creare un vero fan. Se qualcuno viene a uno spettacolo dove può dedicare più di 15 secondi di attenzione, sarà in grado di valutare l’artista in base ai propri gusti. Se gli piace, potrebbe benissimo diventare il più grande fan dell’artista.
La parola “senza tempo” è spesso usata con leggerezza, ma Stylus sembra genuinamente un album che potrebbe essere stato realizzato in qualsiasi grande epoca della scrittura. Come bilanci consapevolmente l’onorare le forme classiche assicurando che la musica sembri fresca e proiettata in avanti, piuttosto che nostalgica?
Apprezzo la tua validazione di “Stylus”. Grazie!
Quando scrivo, ho le mie “regole d’ingaggio” che penso servano a rendere le mie canzoni uniche e valide. La mia prima regola è: se una melodia o una sequenza di accordi può essere sovrapposta a una canzone esistente di qualsiasi epoca, allora deve essere scartata. Niente prestiti diretti! Mi va bene una melodia, una sequenza di accordi o un groove che abbia un’influenza riconoscibile. Ogni artista ha sempre avuto influenze. Sia gli ascoltatori che i critici hanno bisogno di un punto di riferimento per comunicare come suona quell’artista. Quindi avere influenze è naturale e accettabile.
Parte del mio stile di scrittura è cercare un movimento di accordi o di melodia che sia inaspettato e un po’ impegnativo. Cerco intenzionalmente queste mosse perché assicurano che le mie impronte digitali e il mio DNA autoriale siano unici.
Con un tour previsto per il 2026 a supporto di Stylus, come approcci la traduzione di questi nuovi brani, profondamente melodici in studio, in un contesto live? C’è una canzone dell’album che non vedi l’ora che il pubblico sperimenti di persona?
Non cerco di fare dell’esibizione live di “Stylus” una replica esatta dell’album in studio. Mantengo le parole e le melodie uguali all’album in modo che il pubblico possa cantare insieme come si aspetta. Ma ogni membro dei Karma Train è incoraggiato a “interpretare la propria parte dal vivo” in modo che sia appagante per loro suonarla e funzioni al meglio sul palco. Celebro il fatto che gli arrangiamenti di chitarra, sassofono, basso, batteria e tastiere siano diversi dall’album. Entrambe sono ottime esperienze d’ascolto e diverse l’una dall’altra.
Penso che “Hopium” sia la mia canzone preferita da eseguire di “Stylus”. È il brano più lento, ma il sound vorticante e sognante unito al testo mi colpisce duramente a ogni esecuzione. Il messaggio è così reale che provo un momento catartico ogni volta che la canto.
La tua carriera abbraccia decenni, dalle trincee indie degli anni ’90 all’era dello streaming di oggi. Qual è il cambiamento più significativo che hai testimoniato nel modo in cui la musica viene creata e consumata, e come ti sei adattato per rimanere fedele alla tua visione artistica?
Scrivo e registro ancora canzoni eseguite per lo più con strumenti analogici. Rimango fedele alla mia visione artistica cercando di creare musica che tenti di essere all’altezza degli artisti e degli album che amo e ammiro. Questo è il parametro di riferimento e la sfida per me. Posso creare un’opera che io possa rispettare e ammirare? Questo è ciò che mi mantiene fedele alla mia visione artistica.
Le nuove attrezzature per la registrazione sono fantastiche. Negli anni ’80 e ’90 registravamo su nastro analogico. Prenotare tempo in studio era costoso. Non avevo mai abbastanza soldi per sperimentare in studio. Eseguivamo le nostre versioni live delle canzoni e quello era ciò che incidevamo. Oggi registriamo digitalmente sul computer. Non c’è costo del nastro e se l’esecuzione non viene bene possiamo facilmente rifarla. Ancora più significativo, se il mix finale non è corretto, possiamo tornare al file di mix salvato e regolare le parti che necessitano di correzione. Ai vecchi tempi, se il mix della nostra band indie era sbagliato, dovevamo ricominciare da capo e pagare per altre 8 ore di costoso tempo in studio. Ore di lavoro sprecato e soldi sprecati. Il risultato era che non reemixavamo mai i mix scadenti. Semplicemente non avevamo i soldi.
È fantastico che vinili e CD siano tornati di moda e siano diventati oggetti da collezione. Per le band indie per fare due soldi, penso che vendere vinili, CD e magliette insieme ai compensi per le esibizioni dal vivo sia ancora il modo migliore per farcela.
Come artista underground, le mie opinioni sono influenzate dalla mia limitata posizione nell’universo musicale. Spotify, YouTube, Facebook e Apple Music sono le mie principali piattaforme digitali. Questi canali hanno permesso alla mia musica di essere ascoltata da persone in tutto il mondo e sono grato per questa esposizione. Non era mai stato possibile per un piccolo artista indie underground negli anni ’70, ’80, ’90, 2000. In quelle epoche, gli strumenti che avevamo erano per lo più regionali e si ottenevano con sudore e fatica. Costruivamo fanbase regione per regione attraverso il passaparola, i concerti dal vivo, i negozi di dischi indipendenti e le radio universitarie.
Ma oggigiorno, Spotify mi fornisce informazioni giornaliere su quante persone hanno ascoltato in streaming ogni canzone, in quale paese vivono, in quali città vivono, se hanno salvato la mia canzone o l’hanno aggiunta a una playlist e altro ancora. La cosa vergognosa e pietosa di Spotify è che sono avidi e paranoici. Sono crudeli e miopi nel non pagare agli artisti un tasso di royalty ragionevole. Altrettanto grave è che non permettono agli artisti di conoscere i nomi e le informazioni di contatto delle persone che ascoltano la loro musica in streaming. Questo impedisce agli artisti indie di sperimentare una crescita della base di fan, il che alla fine costringe i musicisti a lasciare la loro carriera musicale perché sono al verde e indigenti. La rivoluzione di Spotify sarebbe la più grande cosa di sempre se non si comportassero come spietati tecnocrati plutocratici che usano i musicisti invece di collaborare con noi.
Se potessi scegliere una parola per descrivere il viaggio della creazione di Stylus—dalla prima canzone scritta al master finale—quale sarebbe, e perché?
“Appagante” sarebbe la mia parola. In ogni fase del viaggio mi è stato permesso di fare le mie scelte creative. È molto appagante arrivare alla fine del viaggio dell’album e sentirsi felici per la somma delle scelte creative fatte.
Intevista a cura di B.Giraldo
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