Immagina di guidare al tramonto, finestrini abbassati, polvere nell’aria, una radio che capta più canzoni della realtà. Questo è il suono dei Joseph Turner & The Dudes of Hazard: musica che sa di strada, di bourbon e di cattive decisioni prese esattamente nel momento giusto.
Joseph scrive dal delta olandese – sì, avete letto bene, Paesi Bassi – ma la sua anima è chiaramente americana. Per questo singolo, “Travelin’ Heart”, ha imparato il mandolino da zero, ha catturato le prime idee sul telefono durante un viaggio sulla East Coast, e poi ha costruito il brano pezzo per pezzo: batterie live dai Tracksuit Studios, pedal steel da un altro studio, cori da amici, tutto masterizzato a Nashville. Un processo che è esso stesso un viaggio.
Il risultato è un indie pop con radici country e americane, dove chitarra acustica, mandolino e pedal steel si intrecciano in un abbraccio caldo e malinconico. La canzone parla di fuga – fisica e interiore – e di quella chiarezza che arriva solo quando lasci tutto alle spalle. Anche solo per un po’.
Ho parlato con Joseph per scoprire come si scrive una canzone che è essa stessa un viaggio, cosa significhi fare musica americana dai Paesi Bassi, e perché a volte devi allontanarti per ritrovare te stesso.
L’Intervista: Due Chiacchiere con Joseph Turner & The Dudes of Hazard
Ehi Joseph, benvenuto su Brio Media Group. Come ti senti? Pronto a raccontarmi il dietro le quinte di “Travelin’ Heart”? Sono davvero curioso.
Senza dubbio, mi sento benissimo, andiamo!
Joseph, raccontami un aneddoto specifico di quel viaggio sulla East Coast. Era giorno o notte? Pioveva o c’era il sole? E da cosa stavi scappando in quel momento, se stavi scappando da qualcosa?
Era uno di quei viaggi che avevamo sognato a lungo, quindi quando abbiamo finalmente preso la strada c’era già molta aspettativa accumulata. Abbiamo viaggiato in un camper da un campeggio all’altro, attraversando quattordici stati diversi. La maggior parte dei giorni finiva allo stesso modo: jam acustiche fuori dal camper, probabilmente infastidendo qualche vicino di campeggio di tanto in tanto, ahahah.
Ricordo una calda sera da qualche parte nel Sud, seduto fuori mentre il sole tramontava, sono uscite le chitarre. In quel momento non sembrava affatto di scappare da qualcosa. Sembrava più di correre verso la libertà per un po’.
Hai imparato il mandolino specificamente per questo brano. Cosa ti ha fatto scegliere quello strumento, invece, diciamo, di un banjo o di un’altra chitarra? E quanto tempo ci è voluto prima che la nota giusta uscisse dalle tue dita?
Sì, è stata una mossa un po’ folle, ahahah. Ho sempre amato il suono del mandolino, e prima ancora di avere lo strumento, lo sentivo già nella mia testa mentre scrivevo la canzone. Così sono andato a cercarne uno e per qualche motivo ho finito per trovare un liutaio di mandolini che viveva praticamente accanto a me. Quella che doveva essere un’acquisto veloce si è trasformata in una conversazione di quattro ore sulla costruzione di mandolini, musica bluegrass, tipi di legno, band vecchie, tutta la storia. Mi ha persino mostrato gli accordi di base e come suonava lui stesso in una bluegrass band. È stato fantastico.
Dopodiché mi ci è voluto un altro viaggio solo per fare pratica con le basi prima di sentirmi in qualche modo preparato a portarlo in studio. Sto ancora imparando, ma mi sono assolutamente innamorato dello strumento.
Il tuo mondo sonoro è profondamente americano – pedal steel, viaggi on the road, Nashville – ma tu scrivi dal delta olandese. C’è una contraddizione in questo, secondo te, o è solo la prova che certe storie non hanno confini?
Ho scritto queste canzoni o con in mente viaggi on the road, Nashville e pedal steel, o letteralmente mentre ero nel bel mezzo del viaggio stesso. Anche la sensazione dopo essere tornato a casa ha aiutato a incollare emotivamente le canzoni.
Non vedo davvero una contraddizione. I confini sono comunque artificiali. La tua mente può viaggiare ovunque voglia. Anche la musica lo fa. A volte puoi sentirti connesso a luoghi in cui non sei nemmeno nato, semplicemente perché qualcosa nell’atmosfera o nel modo di raccontare storie ti parla.
La canzone (Travelin’Heart) parla di “lasciare il peso alle spalle” e “riscoprire la chiarezza attraverso il movimento”. Nella tua vita personale, qual è stata l’ultima cosa che hai dovuto lasciare andare per andare avanti? E com’è stato quel distacco?
Ho dovuto lasciare parecchie cose negli ultimi anni. È quasi come trasferirsi in una casa molto più piccola: improvvisamente ti rendi conto di quanto ci fosse roba che portavi dietro di cui non avevi più bisogno.
E non intendo solo cose fisiche. Pensieri, preoccupazioni, emozioni incomplete… anche tutta quella roba si accumula. Il processo di filtrare ciò che conta davvero è di per sé curativo. Anche viaggiare a volte fa questo per me. Prendi le distanze dal tuo ambiente quotidiano, e in qualche modo le cose dentro la tua testa diventano un po’ più organizzate. Torni più leggero, con più chiarezza di prima.
Il verso “take your time to find another light on the road, redefine the way you’re gonna carry the load” suona come un consiglio che qualcuno ti ha dato. Era rivolto a te stesso o a qualcun altro? E c’è un peso nella tua vita che hai dovuto imparare a portare diversamente?
Era decisamente un consiglio a me stesso, ahahah. Tendo ad andare avanti senza mai fermarmi abbastanza a lungo per guardare davvero le cose da un’altra prospettiva. A volte devi rallentare o persino mettere la retromarcia per un secondo prima di poter andare avanti in modo diverso.
Ci sono certi pesi nella vita che non puoi davvero evitare di portare, ma puoi decidere come portarli. Quando perdi qualcuno, per esempio, puoi concentrarti solo sul dolore e sulla fine, oppure scegliere di dare più enfasi ai bei momenti che avete condiviso. Entrambi sono lì. È solo una questione di dove decidi di posizionare il peso emotivamente.
Hai registrato in tre posti diversi: uno studio professionale per la batteria, un altro studio per la pedal steel, la tua casa per il resto. Come si mantiene un’anima unica quando il corpo proviene da così tante direzioni? E hai mai avuto paura che l’atmosfera potesse perdersi?
Il processo di registrazione è diventato anch’esso un po’ un viaggio, ahahah. Ma stranamente, non ho mai avuto davvero paura di perdere l’atmosfera o il vibe della canzone.
Il mio tecnico del mixing, Yannick Bovens, ha messo tutto insieme magnificamente. Penso che quando tutti i coinvolti capiscono la direzione emotiva del brano, il resto venga da sé in modo naturale. Che qualcosa sia stato registrato in uno studio professionale o in una piccola stanza a casa diventa quasi secondario a quel punto.
Il mastering è stato fatto a Nashville, una città che è quasi una religione per certi suoni. Cosa significa per te sapere che le tue canzoni hanno ricevuto il loro tocco finale proprio lì, nella capitale della musica country?
È fantastico, vero? Durante il nostro viaggio siamo stati a Nashville per circa una settimana, e la città mi ha davvero colpito. Ci ho comprato la mia piccola chitarra da viaggio Martin, e da allora l’ho suonata praticamente ogni giorno.
C’è qualcosa a Nashville. Respira musica ovunque tu vada. Quindi avere il mastering finale fatto lì è stato molto naturale, quasi come se le canzoni chiudessero il cerchio in qualche modo.
Descrivi la tua musica come “a volte morbida, a volte forte, ma sempre diretta”. Cosa significa per te essere “diretto” in un’era in cui tutti sembrano parlare senza dire nulla? E quanto ti costa quell’onestà?
Forse non tutti ci sono abituati, ma penso sia importante chiamare un procione un procione, ahahah. Per “diretto” non intendo fare affermazioni brusche o cercare di scioccare la gente. Intendo essere disposto ad affrontare onestamente le parti più difficili della vita invece di evitarle costantemente.
Non sono mai stato molto bravo nelle chiacchiere leggere. La musica mi dà un posto dove posso dire le cose più apertamente, anche quando sono scomode o emotive. Penso che le persone si connettano più profondamente quando qualcosa sembra genuino.
Il bridge della canzone offre una specie di benedizione: “don’t be so hard on yourself”. Quando è stata l’ultima volta che hai dovuto ricordartelo, e in quali circostanze? È successo mentre scrivevi la canzone?
Sì, assolutamente. A volte mi blocco nella mia testa con tutti i “e se” e penso troppo alle cose. Specialmente quando tieni profondamente a ciò che stai creando o a dove sta andando la vita, è facile spingersi sempre più forte senza mai fermarsi a respirare un secondo.
Mentre scrivevo questa canzone, quel verso è diventato quasi un promemoria per me stesso. A volte devi solo accettare che non tutto debba essere risolto immediatamente. Puoi passare così tanto tempo a inseguire la perfezione da perdere completamente il momento in cui stai vivendo.
Ultima domanda, e poi ti chiederò un messaggio per i lettori di Brio Media Group. L’Italia è piena di strade secondarie, viaggiatori lenti, persone che credono ancora nel valore del movimento come crescita interiore. Cosa vorresti dire a qualcuno che ascolta “Travelin’ Heart” mentre guida – o mentre sogna di farlo? E lascia una frase che possa accompagnare chiunque abbia bisogno di ricominciare, anche senza una destinazione precisa.
Prenditi il tuo tempo! Ahahah. L’unico momento che esiste davvero è l’adesso, quindi goditi l’adesso e lascia che il resto stia un po’ sul sedile posteriore. Abbassa i finestrini, lascia entrare il mondo, e non avere paura se non hai ancora tutte le risposte.
A volte la strada stessa ti insegna più di quanto la destinazione potrebbe mai fare.
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